Le Visionarium

Un Voyage à Travers le Temps

Située à l’entrée de Discoveryland, Le Visionarium – Un Voyage à Travers le Temps ouvre avec Euro Disneyland (aujourd’hui nommé le Parc Disneyland) le 12 avril 1992. Fort d'un succès instantané, cette attraction est alors l’une des premières devant laquelle se massaient les visiteurs. Lorsque le projet d’ouvrir un Resort en Europe est lancé, les Imagineers ont tenu à distinguer Discoveryland par un thème intemporel mêlant univers rétrofuturiste et style steampunk, en opposition à la vision très moderne et technologique du futur traditionnellement présentée au sein des Tomorrowland des autres Resorts Disney.

Unique en son genre à son ouverture, l’attraction reflète donc le génie des visionnaires des siècles passés, mais également celui des Imagineers prenant là la décision d’inclure un cinéma à trois-cent-soixante degrés tout en proposant un vibrant hommage à la culture française et plus largement européenne.

Malgré tout, une telle attraction n’est pas une première dans la longue histoire de The Walt Disney Company. C'est en effet dès le milieu du XX^e siècle que les Imagineers travaillent sur un procédé de prise de vue capable d’enregistrer des images à trois-cent-soixante degrés et à les diffuser dans une salle adéquate. Baptisé Circarama, ce procédé s’appuie sur l’association de onze caméras disposées circulairement face à l’horizon qui, une fois enclenchées, enregistrent simultanément. Les scènes ainsi filmées permettent de composer, après montage, un film à projeter dans une salle circulaire équipée de onze écrans, un moyen idéal pour présenter aux visiteurs une série de paysages spectaculaires à admirer, magnifiant ainsi l’environnement dans lequel le tournage a eu lieu. La première production de ce type, A Tour of the West, filmée dans les paysages les plus connus des États-Unis, est inaugurée à l’ouverture de Disneyland Resort à Anaheim en 1955. Un second film particulièrement populaire, America the Beautiful, voit ensuite le jour à l’occasion de l’Exposition Universelle de Bruxelles de 1958.

Par la suite, les Imagineers cherchent à apporter des innovations et parviennent à inaugurer un procédé simplifié en 1967 : le Circle-Vision. S’appuyant sur un nombre de caméras réduit à neuf, il permet alors d’économiser beaucoup de temps et de ressources et supplante définitivement le Circarama. Une nouvelle version du film America the Beautiful est alors réalisée avec cette nouvelle méthode comme le seront aussi d’autres films des décennies suivantes : Magic Carpet Around the World et American Journeys (lui-même issu d’America the Beautiful).

En 1982, le Circle-Vision connaît un nouvel essor avec l’ouverture au public d’Epcot à Walt Disney World Resort et plus particulièrement de World Showcase où sont rassemblés les pavillons représentant divers pays du monde. Trois films voient alors le jour : Wonders of China pour le pavillon chinois, O Canada! pour le pavillon canadien et Impressions de France pour le pavillon français (bien que ce dernier film ne se contente que de cinq écrans en demi-cercle).

Pour Discoveryland, les Imagineers souhaitent avoir recours à un procédé similaire. Ils tiennent toutefois à ce que cette version-ci innove par rapport aux précédentes. Sa particularité est que le film ne doit pas se contenter de juxtaposer des scènes spectaculaires, mais bel et bien les relier par une histoire logique et inédite, adhérant totalement au concept des lieux. Située dans un Land permettant à ses visiteurs de voyager dans les confins de la galaxie jusqu’aux profondeurs des océans, la nouvelle attraction se veut, en effet, tout aussi exaltante. Par conséquent, le scénario envisagé se centre dès le départ sur l’idée d’un voyage à travers le temps à la rencontre des grands penseurs et visionnaires européens. Le nom de Jules Verne, écrivain souvent considéré comme le père de la science-fiction moderne et que Walt Disney admirait beaucoup, figure tout de suite parmi les personnages envisagés, comme celui de H. G. Wells, que Walt avait personnellement rencontré en 1936. Mais la mise en scène est longuement débattue : comment donner physiquement vie à ce voyage dans l’attraction ? Une première idée s’inspire par exemple du théâtre grec de l’Antiquité, censée s’appuyer sur l’usage d’un chœur pour commenter et traduire l’histoire présentée, un point de départ abandonné car peu pratique. Une seconde idée, elle aussi écartée, met en scène un enfant communiquant avec un ordinateur et l’utilisant pour explorer le passé

Très vite, l’un des principaux soucis dans ces intrigues devient de plus en plus évident : légitimer la présence d’une série d’écrans dans l’attraction en les intégrant dans le récit n’est pas chose aisée. Les visiteurs peuvent en effet simplement se demander pourquoi ils doivent assister à un voyage temporel par écrans interposés. La solution est donc de les persuader qu’ils ne regardent justement pas un film, mais plutôt ce que retransmet un autre voyageur, matérialisé par le personnage emblématique de Nine-Eye. Décrite comme une caméra intelligente, capable d’exprimer des émotions et de réagir aux péripéties de l’aventure (comme le fera une certaine Weebo quelques années plus tard dans le film Flubber avec Robin Williams), elle est l’équivalent en personnage de la véritable caméra utilisée pour le tournage du film (d’où son nom signifiant « Neuf-Yeux »).

Mais la caméra volante n’est pas seule dans cette histoire et forme un duo de choc avec un autre personnage né d’un Parc Disney. Ainsi, son comparse robotique dénommé Timekeeper accueille personnellement le public à la manière d’un maître de cérémonie. Mais alors que Nine-Eye reçoit naturellement une allure inspirée de la caméra, quelle forme donner à son acolyte ? Ayant constaté que la présentation d’un Audio-Animatronic dénué de costume, dont les circuits et la mécanique internes étaient entièrement visibles, plaît grandement aux visiteurs, les Imagineers ont donc opté pour cette solution et affublent leur « gardien du temps » (de la traduction littérale du nom du personnage) d’une tignasse en fil de fer le faisant ressembler à l’archétype du savant fou par excellence. Comme la fonction de manœuvrer la machine temporelle lui revient, il faut également prendre grand soin à le synchroniser avec le film. Par exemple, tout changement de scène dans le film doit correspondre exactement à l’activation d’une commande de la part de l’Audio-Animatronic, un geste plus difficile à synchroniser qu’il n’y paraît. Par ailleurs, comme le sujet abordé peut paraître trop sérieux ou académique, le film n’hésite pas à s’accorder quelques moments d’humour. En plus des situations comiques, c’est surtout l’interaction entre les personnages principaux qui renforce cette dimension humoristique, avec un Timekeeper qui, malgré ses efforts pour rester digne devant son public, se dispute constamment avec sa collaboratrice qui elle-même ne peut s’empêcher de commettre des impairs à plusieurs époques, tandis qu'un troisième personnage tout aussi essentiel à l'histoire, Jules Verne, se comporte comme un grand enfant émerveillé, inconscient des risques et en décalage total avec les situations dans lesquelles il se retrouve emporté.

Le film est présenté dans un amphithéâtre circulaire adapté, dans lequel les neuf écrans sont disposés en hauteur de façon à entourer intégralement les visiteurs. Ces derniers restent donc debout afin de bénéficier du meilleur angle de vue possible, ce que la position assise aurait par trop limité. Les écrans sont ainsi séparés par des projecteurs trente-cinq millimètres diffusant leurs images sur l’écran qui leur fait face à l’opposé de la salle. Grâce aux haut-parleurs situés au plafond et derrière chaque écran, les visiteurs se trouvent totalement immergés dans l’ambiance sonore souhaitée. Cette méthode consistant à associer dans l’amphithéâtre un film en Circle-Vision et des Audio-Animatronics synchronisés inaugure d'ailleurs un nouveau procédé appelé Cinematronic.

Le film se voit baptisé Un Voyage à Travers le Temps (ou From Time to Time en anglais). Réalisé par Jeff Blyth et produit par Tom Fitzgerald, Antoine Compin et Charis Horton, des vétérans qui ont eux-mêmes œuvré sur certaines productions Circle-Vision précédemment mentionnées, l'opus bénéficie de l’équipe la plus expérimentée pour accomplir cette tâche. Le compositeur Bruce Broughton, qui venait de signer la bande originale du film Bernard et Bianca au Pays des Kangourous et qui travaillera plus tard sur celle de l’attraction Chérie, J’ai Rétréci le Public, est en outre choisi pour écrire la musique titre de l’attraction et du film.

Cette nouvelle production est aussi l’occasion d’innover technologiquement : la caméra est en effet légèrement modifiée par rapport aux modèles précédents. Au lieu de disposer les neuf objectifs circulairement en direction de l’horizon, ceux-ci sont plutôt orientés vers le haut face à des miroirs obliques réfléchissant les alentours. La caméra filme donc les images reflétées par ces miroirs, ce qui améliore considérablement ses prises de vue.

Contrairement au cinéma traditionnel, le Circle-Vision ne permet pas vraiment de faire des coupes dans une scène. Un plan équivaut en effet généralement à une scène complète, y compris si la caméra doit se déplacer en filmant. Le cadrage doit lui aussi être très précis car le travail du cinéaste et du metteur en scène est de savoir diriger l’œil du spectateur vers un endroit précis de l’écran, ce qui constitue un plus grand défi lorsqu’il y en a neuf et qu’il est impossible de faire des plans rapprochés. En cas de mauvais cadrage ou d’erreur de réplique de la part d’un comédien, il est évidemment possible de recommencer la prise, mais ce contretemps reste néanmoins à éviter car le rechargement de la caméra est neuf fois plus long qu’avec une caméra classique.

Le casting reflète le caractère européen que les Imagineers souhaitent donner au film. Parmi les principaux rôles figurent notamment Michel Leeb dans le rôle de Timekeeper, Myriam Boyer qui a donné sa voix à Nine-Eye et Michel Piccoli qui incarne Jules Verne. Accompagné d’un interprète campé par Patrick Bauchau, Jeremy Irons assure de son côté le rôle non moins important de H. G. Wells dans ce qui constitue sa première collaboration avec The Walt Disney Company, bien avant de donner sa voix au personnage de Scar dans Le Roi Lion ou d’assurer la narration anglaise de l’attraction Studio Tram Tour - Behind the Magic au Parc Walt Disney Studios.

Dans les rôles plus secondaires mais toutefois restés dans les annales, l’acteur Jean Rochefort, après avoir tout d’abord refusé le rôle de Louis XV qui le contraignait à raser sa célèbre moustache, a finalement accepté de jouer aux côtés de Nathalie Baye qui interprète Madame de Pompadour. L’acteur italien Franco Nero endosse, quant à lui, le rôle de Léonard de Vinci face à une Mona Lisa agacée, sans son célèbre sourire, incarnée par Anna Pernicci, tandis qu’en prime, Gérard Depardieu a également droit à une courte mais mémorable apparition dans le rôle du bagagiste de l’aéroport.

Les Imagineers prennent également la décision de faire de l’Europe le théâtre de l’aventure. Le tournage est ainsi l’occasion de mettre en avant certains des plus beaux paysages du continent. Dans l’ensemble, les scènes se déroulant dans le présent ne demandent qu’une bonne logistique, tandis que celles se déroulant dans le passé comportent un défi supplémentaire. Les équipes doivent en effet redoubler d’efforts pour retranscrire correctement les différentes époques et éviter de faire apparaître à l’écran des éléments anachroniques, ce qui est une tâche difficile avec une caméra qui enregistre tout ce qui l’entoure sans angle mort.

La première scène tournée est celle de la bataille entre les Anglais et les Écossais près du Château d’Alnwick en Angleterre. Ce monument, qui sera plus tard utilisé comme décor pour des productions telles que la saga Harry Potter ou la série Downton Abbey, est effectivement situé près de la frontière avec l’Écosse. Afin d’organiser au mieux le tournage, l’équipe a invité les membres d’un club local, passionnés de reconstitutions de batailles, à s’affronter autour de la caméra, ce qu’ils acceptèrent avec grand plaisir au regard du résultat final. Afin de dissimuler les quelques éléments trop modernes présents dans le paysage, une grande machine de guerre a été placée au premier plan. Prenant soin de rester hors du cadre, l’Imagineer Tom Fitzgerald a, quant à lui, pris position sur celle-ci pour mieux superviser la scène, mais ses bottes restaient néanmoins brièvement visibles, créant ainsi un anachronisme involontaire. Malgré la pluie et la boue, les acteurs bénévoles, heureux de pouvoir s’adonner à leur passion dans un film, ont revêtu leurs costumes de guerre conçus par Bob Ringwood et se sont affrontés farouchement, à tel point qu’il fut difficile de les séparer une fois la prise terminée.

La scène suivante, qui devait se dérouler dans les rues de Florence et dans l’atelier de Léonard de Vinci au XVI^e siècle, s’est avérée également problématique car la ville qu’elle était censée mettre en scène est devenue – sans trop d’étonnement – bien trop moderne depuis la Renaissance. C’est donc finalement à Bracciano, située à proximité de Rome, qu’elle a été tournée, et plus exactement dans la Cour d’honneur et dans la Salle des Césars du Château Orsini-Odescalchi qui ont conservé jusqu’à aujourd’hui cette allure ancienne tant recherchée.

Le Château de Chantilly, pour sa part, a été choisi comme lieu de représentation du jeune Mozart face à la Cour royale de Louis XV, une scène légèrement erronée car elle a en réalité eu lieu l’année suivant la date indiquée par Timekeeper. Comme les précédents monuments, le célèbre château de l’Oise a apporté son lot de difficultés. La caméra, pourchassée par les comédiens, devait en effet se déplacer dans l’enfilade composée du Grand Cabinet d’Angle, de la Grande Singerie (transformée pour l’occasion en couloir) et de la Galerie des Batailles du Grand Condé, mais comme elle était capable de voir tout ce qui l’entourait, il était dès lors impossible de positionner les éclairages nécessaires au sol (sans compter l’interdiction de les fixer aux murs), ce qui compromettait grandement l’illumination de la scène. La seule solution fut donc d’allumer près de cinq cents chandelles dans les salles, mais en raison du risque d’incendie, la présence de pompiers s'est révélée nécessaire à proximité et inévitablement dans le champ de la caméra. Ceux-ci ont alors revêtu des costumes de courtisans et joué le rôle des danseurs participant au bal, incarnant parfaitement leurs personnages tout en restant prêts à intervenir en cas de problème.

La scène reconstituant l’Exposition Universelle de 1900 censée se dérouler à Paris s’est avérée la plus cruciale, puisque contrairement aux autres, elle apparaît plus d’une fois et constitue un moment charnière dans l’histoire racontée. C’est, il est vrai, lors de cette séquence qu’un personnage supplémentaire, en la personne de Jules Verne, se joint à l’aventure. Elle est tournée dans le domaine du Château de Schönbrunn à Vienne, au pied de la Palmenhaus, une immense serre dont l’architecture, composée de quarante-cinq mille panneaux de verre soutenus par une structure ouvragée en acier, évoque typiquement un pavillon de l’Exposition Universelle en question. Pour compléter les alentours de l’édifice, d’autres décors, accessoires et mobiliers, anciens ou modernes, sont installés pour retranscrire le changement d’époque sur ce même lieu, malgré les intempéries qui les ont endommagés. L’un de ces accessoires, exposé plus tard dans la première salle de l’attraction, est l’affiche créée par l’artiste Darren Gilford, annonçant la Conférence sur le Futur du mercredi 20 mai 1900 (une date erronée qui correspond en réalité à un dimanche). De même, le changement d’époque est souligné par le changement de musique : lorsque la scène a lieu en 1900, un orchestre y joue la valse Estudiantina d’Émile Waldteufel, tandis que dans le présent, les spectateurs y entendent la chanson Motownphilly des Boyz II Men.

Les séquences se déroulant dans le présent doivent parfois tenir compte du personnage de Jules Verne placé dans des situations dangereuses, comme la course de Formule 1 organisée sur le circuit de Zeltweg en Autriche, ou encore la descente en bobsleigh à près de cent kilomètres à l'heure tournée près d’Innsbruck. La bonne coordination des cascades est en effet incontournable pour assurer la sécurité de Michel Piccoli qui tient à participer personnellement à certaines d’entre elles, de ses doublures et des équipements de tournage eux-mêmes. Pour cela, l’équipe peut compter sur la participation de Rémy Julienne, concepteur de cascades qui avait alors plus de vingt-cinq ans d’expérience dans ce domaine et dont le savoir-faire sera à nouveau sollicité dix ans plus tard pour la conception du spectacle Moteurs... Action ! Stunt Show Spectacular au Parc Walt Disney Studios.

L'impressionnante scène en TGV tournée près de Rouffach en Alsace, lors de laquelle Michel Piccoli doit se retrouver en équilibre précaire sur la surface lisse et inclinée de l’avant du train lancé à pleine vitesse, démontre l’ingéniosité dont l’équipe a fait preuve pour la réaliser en toute sécurité. Filmé en plan rapproché, le train est en réalité un wagon déguisé en TGV, n’atteignant donc pas une vitesse dangereuse, et l’acteur est assis sur une selle discrète conçue pour le maintenir en place. Le mouvement du wagon sur la voie donne malgré tout l’illusion d’une grande vitesse. La scène qui suit sur la Place Charles-de-Gaulle à Paris dénote en revanche une plus grande témérité. Michel Piccoli doit traverser imprudemment une circulation d’une quarantaine de voitures roulant à vive allure et un taxi conduit par l’un des fils de Rémy Julienne doit freiner en dérapant tout près de lui sans le heurter. Une cascade extrêmement risquée sur une voie pavée où les pneus exercent une moindre friction. Trois prises sont faites, chacune avec Michel Piccoli s’élançant sur la chaussée sans la moindre crainte mais se terminant avec la voiture de plus en plus dangereusement proche de lui, si bien qu’après cela, le réalisateur renonce à toute autre tentative. Un accident aurait été en effet bien malheureux, d’autant plus que l'épouse de Piccoli, Ludivine Clerc, et ses enfants sont présents sur le tournage pour camper une famille figurante.

D’autres séquences en apparence plus tranquilles se révèlent tout aussi risquées pour le matériel lorsqu’elles n’ont pas lieu sur la terre ferme, comme par exemple celle lors de laquelle Michel Piccoli se retrouve à l’intérieur du submersible. Tournée près de Lyford Cay aux Bahamas, à quelques kilomètres de l’endroit où Richard Fleischer avait tourné les séquences sous-marines de 20 000 Lieues sous les Mers près de quarante ans auparavant, l’emplacement est idéal en raison de la clarté de l’eau. Mais voilà, faire plonger les acteurs et la caméra dans les profondeurs impose au réalisateur Jeff Blyth de revêtir lui-même une combinaison de plongée et de s’immerger afin de diriger l’équipe, se confondant avec les explorateurs des fonds océaniques autour du submersible.

Il doit mettre une fois de plus le pied à l’étrier pour une autre scène qui reste dans les mémoires : celle sur la Place Rouge de Moscou, lors de laquelle la caméra commence à s’élever vers les cieux et impose donc sa présence à ses côtés. Pour la première fois dans l’histoire de l’URSS, une production occidentale a obtenu le droit de filmer sur cette place mythique, et comme la présence de plusieurs montgolfières y est nécessaire, l’Armée Rouge est elle-même venue prêter main forte pour installer le matériel et surtout sécuriser les alentours face aux nombreux moscovites venus assister à ce tournage exceptionnel. L’une des montgolfières, en forme de Mickey Mouse, n’est autre qu’Ear Force One qui venait d’entrer en service à l’époque. Jouant le rôle de véritable « Mickey caché » dans le film, elle constitue un choix très symbolique en pleine Perestroïka, applaudi par les curieux venus pour l’occasion.

L’une des scènes suivantes, lors de laquelle Michel Piccoli s’envole en hélicoptère au-dessus de l’Europe, a également contraint le réalisateur à embarquer dans un second hélicoptère suivant le premier en transportant la caméra. En comparaison avec le reste du film, c'est la séquence qui s’apparente le plus au Circle-Vision traditionnel. Pendant une minute et trente secondes, elle juxtapose successivement des paysages spectaculaires, comme celui du Mont-Saint-Michel et du Château de Neuschwanstein dont les apparitions forment des clins d’œil à l’architecture de châteaux Disney, respectivement le Sleeping Beauty Castle de Disneyland Resort et Le Château de la Belle au Bois Dormant de Disneyland Paris. De plus, une orchestration grandiose de la musique de Bruce Broughton accompagne ces plans, tandis que les dialogues y sont réduits au strict minimum, invitant les spectateurs à s’émerveiller devant ce qu’ils voient. La réplique de Timekeeper au début de la séquence en résume littéralement l’esprit : « On regarde le paysage et on se tait. ».

Pour finir, quelques dernières scènes n’ont pas nécessité un tournage en Europe. Alors que l’apparition du dinosaure repose en réalité sur l’utilisation d’un Animatronic que certains films hollywoodiens avaient déjà utilisé dans le passé, celle de l’ère glaciaire avait déjà été tournée pour le film Magic Carpet Around the World. En la ressortant des bases d’images, l’équipe n’a eu qu’à effacer numériquement l’ombre de l’hélicoptère portant la caméra.

La séquence montrant l’édification rapide de la Tour Eiffel a, pour sa part, été tournée au Texas, car les toits de Paris, en grande partie recouverts d’antennes, ne convenaient pas pour l’époque représentée et ont dû être reproduits sous forme de modèle réduit sans ces éléments anachroniques. La technique du stop-motion a ensuite permis de donner l’illusion de la croissance accélérée du monument parisien.

Quant à la ville de Paris de 2189 qui forme la conclusion du film, elle a été créée de toute pièce en faisant appel au concepteur néo-futuriste Syd Mead. Alors connu pour son travail esthétique sur des films tels que Tron ou Blade Runner, bien avant d’apporter plus tard sa touche personnelle à Mission to Mars et À la Poursuite de Demain, il a donné à la scène un aspect futuriste utopique valorisant la capitale française tout en lui conférant les attributs archétypaux des films de science-fiction, comme par exemple des véhicules volants.

Cette scène finale est d’ailleurs l’occasion idéale pour intégrer directement dans l’histoire la marque Renault, sponsor officiel de l’attraction, plutôt que d’y faire légèrement allusion. Les ingénieurs de l’entreprise automobile ont en effet imaginé la Reinastella, une voiture volante à commande vocale et à l’architecture modifiable pour un meilleur aérodynamisme, entièrement dépourvue d’accélérateur ou de volant, capable de transporter silencieusement cinq voyageurs à une vitesse de trois cents kilomètres par heure et à une altitude de cent cinquante mètres au-dessus du sol. Conçue en dermotylène et alimentée en fluide plasmelf, c’est précisément à son bord que les personnages du film explorent Paris en 2189 (bien que la date prévue par Renault pour sa mise en service soit 2328).

De plus, à l’image de la plupart des autres bâtiments de Discoveryland arborant un véhicule futuriste ou rétrofuturiste, le modèle physique de cette voiture se voit exposé devant la façade de l’attraction, mise en valeur par une fresque en relief qui s’illumine de nuit comme une constellation. Retirée lors du départ du sponsor en 2002, cette Reinastella fait ensuite le tour des salons automobiles dans lesquels Renault l'expose, jusqu’à ce qu’elle soit vendue aux enchères par Artcurial en février 2023 pour la modique somme de 71 520 euros, vingt-et-un ans après avoir quitté Discoveryland.

Un petit détail est à noter sur l’accessibilité linguistique de l’attraction. Dans un souci d’exactitude historique, chaque personnage doit parler sa véritable langue. Par exemple, Jules Verne s’exprime en français, H. G. Wells en anglais et Léonard de Vinci en italien. Le français est par conséquent la langue majoritaire du film, ce qui n’est pas adapté à l’intégralité du public multilingue du Parc Disneyland. Pour résoudre cette question, des casques audios, fixés sur les rampes séparant les rangées de l’amphithéâtre, sont mis à disposition des non-francophones pour leur permettre de choisir des doublages en anglais, en allemand, en espagnol, en italien ou en néerlandais.

À son ouverture, Le Visionarium - Un Voyage à Travers le Temps compte parmi les six attractions alors présentes à Discoveryland et se voit abritée dans un bâtiment art déco qui comprend également la boutique Constellations et Le Café des Visionnaires (qui deviendra L’Arcade des Visionnaires en 1996, elle-même transformée en Arcade Oméga et Bureau Passeport Annuel en 2002). Cet ensemble reprend des éléments architecturaux de monuments célèbres de Los Angeles tout en les réinterprétant de manière futuriste. Ainsi, le dôme semble inspiré de celui de l’Observatoire Griffith et les pylônes porteurs d’antennes qui l’entourent renvoient à la façade de l’Auditorium Pan-Pacific, un édifice historique qui fut malheureusement détruit par le feu pendant la conception même de l’attraction. Une deuxième réplique de cette façade, plus exacte, est également réalisée en 1989 pour servir d’entrée au Parc Disney’s Hollywood Studios en Floride (alors nommé Disney-MGM Studios), suivie d’une troisième à l’entrée du Parc Disney California Adventure, beaucoup plus tard en 2011.

Le succès de l’attraction est tel qu’elle ouvre ensuite ses portes à Tokyo Disneyland le 15 avril 1993, sous le nom simplifié de Visionarium, mais dans une version assez semblable à l’originale en dehors du doublage en japonais assuré entre autres par George Tokoro dans le rôle de Timekeeper et par Yuki Saitō dans celui de Nine-Eye.

L’attraction américaine est, quant à elle, inaugurée le 21 novembre 1994 au Magic Kingdom à Walt Disney World Resort, tout d’abord sous le nom de Transportarium, avant d’être rebaptisée The Timekeeper dès 1995. Robin Williams (qui a également donné sa voix au personnage du Génie dans le film Aladdin) et Rhea Perlman ont repris les rôles respectifs de Timekeeper et de Nine-Eye en accentuant l’humour de leurs personnages. Cette version se démarque toutefois des deux précédentes avec le remplacement de la musique d’origine par une nouvelle orchestration de Bruce Broughton et la modification du montage du film. Par exemple, les scènes se déroulant à Moscou et à l’aéroport de Paris-Charles-de-Gaulle sont retirées, faisant directement passer Jules Verne du submersible à l’hélicoptère, tandis que le survol du Pas-de-Calais et des Alpes a été remplacé par celui du Pont de Bixby Creek en Californie et de la ville de New York au crépuscule, rendant ainsi l’aventure plus proche des attentes du public américain.

Très novatrice pour les années 1990, l’attraction relève alors le défi de présenter une aventure envoûtante, s’accordant parfaitement avec le thème de Discoveryland, tout en employant une technologie unique. Avec le recul, le Circle-Vision peut presque être considéré comme un prédécesseur des vidéos à trois-cent-soixante degrés ou de l’immersion en réalité virtuelle.

Cependant, malgré sa conception intemporelle, l’attraction a ironiquement été rattrapée par le temps. Dès le début des années 2000, le film peine à dissimuler l’aspect dépassé de certaines de ses scènes, notamment avec les anciens modèles de voitures sur les Champs-Élysées ou le Concorde à l’aéroport malgré la fin de son activité en 2003. Pire encore, la version américaine devait composer avec la présence du World Trade Center dans le plan du survol de New York. En ajoutant à cela le fait que sa popularité s’estompait et que la version d’origine à Disneyland Paris a perdu son sponsor en 2002, la fréquentation diminue jusqu’à ce que sa fermeture soit annoncée.

L’attraction de Tokyo Disneyland est donc la première à fermer ses portes en 2002 pour être remplacée par Buzz Lightyear’s Astro Blasters. En 2004, c'est le tour de la version d’origine de Disneyland Paris de céder sa place à Buzz Lightyear Laser Blast. Enfin, la dernière existante, au Magic Kingdom à Walt Disney World Resort, ferme définitivement en 2006 pour permettre l’arrivée de Monsters, Inc. Laugh Floor.

Aujourd’hui, seuls quelques vestiges de l’attraction subsistent à Disneyland Paris, comme par exemple l’Audio-Animatronic de Nine-Eye qui est placé dans le décor de l’une des toutes premières scènes de Buzz Lightyear Laser Blast en hommage à son prédécesseur. Le personnage de Nine-Eye est également dissimulé dans l’une des valises scannées par G2-9T dans la file d’attente de Star Tours : L’Aventure Continue. Quant à la musique de Bruce Broughton, elle peut être entendue au niveau des tapis roulants reliant le parking à l’esplanade ou encore à bord des trains de Disneyland Railroad quittant ou arrivant à Discoveryland Station.

Le Visionarium - Un Voyage à Travers le Temps vante à merveille l’esprit d’innovation et de curiosité scientifique que Walt Disney prônait et qui est inhérent à Discoveryland. Si les personnages de Timekeeper et de Nine-Eye incarnent cette soif de découverte, celui de Jules Verne, qui limite initialement son imagination par souci d'exactitude scientifique, la laisse ensuite s'ouvrir comme l’indique dans le film ses rencontres successives avec H. G. Wells. Ces passages relèvent certes de la fiction (les deux écrivains ne s'étant en réalité jamais rencontrés), mais le dialogue imaginé retranscrit fidèlement ce que l’auteur ressentait à l’égard de son homologue britannique, déclarant à son sujet : « Moi, j’utilise la physique. Lui, il l’invente. ».
L’aventure proposée par Le Visionarium - Un Voyage à Travers le Temps, dans laquelle les personnages s’engagent et à laquelle les visiteurs assistent, permet à ces derniers de renforcer leur capacité à rêver de l’avenir, un avenir « improbable, mais pas impossible », faisait ainsi écho au thème du Land qui accueille l'attraction.
Michael Eisner, Président de The Walt Disney Company, a qualifié Le Visionarium - Un Voyage à Travers le Temps de véritable « attraction vitrine de Discoveryland » : elle a malheureusement été rattrapée par le temps qui, lui, court inlassablement. Un joli paradoxe... temporel !

Cette attraction était située à Discoveryland dans le Parc Disneyland de Disneyland Paris. Elle est remplacée par Buzz Lightyear Laser Blast depuis le 8 avril 2006.

Deux autres versions de l’attraction ont également existé : la première, nommée Visionarium, à Tokyo Disneyland (Tokyo Disney Resort) du 15 avril 1993 au 1er septembre 2002, et la seconde, nommée The Timekeeper, au Magic Kingdom (Walt Disney World Resort) du 21 novembre 1994 au 26 février 2006.